Ensayo

El método Dalcroze

Autor: Pilar Pascual

Editorial: Pearson

País: España

Año: 2002

“Mi convencimiento es que la educación por y para el ritmo es capaz de despertar el sentido artístico de todos los que se someten a ella” (Jacques Dalcroze)

El nacimiento de la rítmica a comienzos del siglo XX coincidió con un creciente interés de las ciencias sociales por el ser humano. Dalcroze estuvo marcado por las ideas de su tiempo.

Jacques Dalcroze.

Nació en Viena en 1865 y fue un precursor teórico de la rítmica. De hecho, inauguró en el conservatorio de Ginebra en 1905 el primer curso de Gimnasia Rítmica. Por tanto, en los orígenes la rítmica estaba pensada para adultos y no para niños.

Este método se desarrolló a partir de la segunda Guerra Mundial e incluía la obra pedagógica de Dalcroze (con 64 marchas rítmicas y 5 tomos) y además el instituto de Jacques Dalcroze incluyó cursos para niños del Jardín de Infancia, de Primaria, de Educación Infantil y para profesores de música que se especializaran en rítmica.

El ritmo, el movimiento y la danza son los elementos principales del método creado por Jacques Dalcroze. Este método es una educación por la música (por su poder) y para la música (porque une armoniosamente el movimiento y la expresión del cuerpo, el pensamiento y la expresión del alma (sensibilidad).

El método comparte con otras metodologías de principios del Siglo XX  la idea de que la educación musical no puede ser patrimonio exclusivo de unos pocos, por lo que debe ser obligatorio en la escuela.

La eduación por el movimiento preconiza Jacques Dalcroze es un importante factor de desarrollo y equilibrio del sistema nervioso y un rico medio de expresión emocional.

Las nuevas perspectivas de Jacques Dalcroze intentan paliar las lagunas observadas en los estudios musicales. Encontró carencias y defectos en tres niveles:

a)      Jacques Dalcroze observó que en los métodos de su tiempo faltaba fundamentalmente un procedimiento pedagógico que desarrollase el oído y los sentidos melódico, tonal y armónico.

b)      Lagunas observadas en las interpretaciones de los futuros músicos profesionales. Muchos poseían arritmia musical a nivel de emisión, de transmisión y de ejecución.

c)       Observó defectos del cuerpo en general, carencias en las aptitudes motrices de los primeros alumnos de Rítmica.

La Rítmica es una educación del sentido rítmico-muscular del cuerpo para regular la coordinación del movimiento con el ritmo, de forma que trabaja simultáneamente la atención, la inteligencia y la sensibilidad.

La rítmica se caracteriza además porque:

-          Su finalidad es desarrollar el oído musical

-          El cuerpo puede ser el medio de representación de cualquier elemento musical

-          Destaca el elemento del ritmo como base del solfeo

-          Apela constantemente al esfuerzo personal

Jacques Dalcroze elaboró una tipología de ejercicios en función de los objetivos que persigue la rítmica:

-          Lograr que el niño tome conciencia de sus propias fuerzas así como de las resistencias que se oponen a su organismo.

-          Dar flexibilidad y perfeccionar los medios físicos

-          Desarrollar el sentido de equilibrio del cuerpo, para que asegure soltura y elasticidad de movimientos.

-          Desarrollar el sentido intuitivo de la distancia y una acomodación instintiva de la acción y los movimientos en el espacio, de forma individual y colectiva: líneas, corros, farandolas (puertas y caracoles), parejas, reels (paseos y cadenas).

La metodología Dalcroze desarrolla la función auditiva y de análisis de los sentidos rítmico, tonal, melódico y armónico a través del ya nombrado sentido muscular. El ritmo es la base del solfeo.

La educación auditiva persigue crear la audición interior, estimular la lectura a primera vista y trabajar la notación y la teoría musical. Se parte de la notación convencional que debe ser consecuencia de la iniciación  a la música, no su condición.

El método Dalcroze se vale al comienzo en los ejercicios de lectura, de una notación espontánea del alumno a la que llaman dibujos de acción o acción de pensamiento, de forma que el alumno considere todo el dibujo de la música y que lo traduzca en movimientos y grafías espontáneas, lo cual le impedirá reducir la música a su esquema métrico.

En este método, se parte de la marcha y se trabaja posteriormente la locomoción como una importante fuente de ritmos diferentes espontáneos en relación con las habilidades motrices básicas. También se considera la inhibición del movimiento cuando cesa la música o se indica una determinada consigna.

El método trabaja también la discriminación de timbres.

Para el reconocimiento de los intervalor, la apreciación de las modulaciones y la construcción armónica el método trabaja:

a)      El estudio de policordios que enseña a agrupar en dos, tres o más sucesiones ascendentes o descendentes de tonos y semitonos, a trasportarlas etc.

b)      El estudio de las escalas de do a do´ de forma que todas las escalas son cantables a altura real, ya que comienzan por el do central del piano.

En la rítmica de Dalcroze, el instrumento principal y el que lleva el papel preponderante en las clases, es el piano, en el que el “rítmico” improvisa sus ejercicios a los alumnos.

¿Por qué el piano? Porque es el instrumento melódico que subraya las propiedades elásticas del cuerpo en movimiento; y polifónico, que saca a la luz la totalidad compleja de la relación espacial.

Además del piano, los materiales educativos de los que se vale esta metodología son instrumentos musicales, material propio de la educación psicomotriz y grabaciones musicales con músicas variadas. Los instrumentos musicales que utiliza son: flauta dulce e instrumentos de percusión. También ocupa materiales de psicomotricidad y grabaciones musicales que contienen fragmentos interpretados al piano o por otros instrumentos.

Comentario personal Francisca Domínguez: 

Al leer este texto, me pude percatar de que realmente este hombre, si bien como dice la autora, tenía las características propias del siglo en el que vivió, fue también, un revolucionario en su tiempo ya que trajo un modelo nuevo e incorporó incluso un curso nuevo de Gimnasia Rítmica. Me gustó mucho haber conocido esto, porque cuando lo leí, me pregunté ¿servirá realmente ese curso para los estudiantes de música? Pero a lo largo del texto fui poco a poco comprendiendo el sentido y la importancia de la rítmica en la música. Eso creo que le pasó a mucha gente de su época y una vez que comprendieron, ellas y todas las generaciones posteriores, han podido aprender mucho de Dalcroze.

Comentario personal María Luisa:
A mí me pareció muy interesante el que ocupe como base el piano, ya que en un principio me costó a entender por qué lo utilizaba como instrumento principal de su modelo y posteriormente comprendí que efectivamente, era fundamental para éste. Estoy de acuerdo también con lo que el postulaba de que la enseñanza musical debe ser obligatoria en la escuela y que si bien, su mayor aplicación es en los niveles iniciales de la enseñanza musical, la enseñanza de la Rítmica debe prolongarse a lo largo de toda la enseñanza musical del niño.

Título: “Didáctica de la Música”

Autor:            Pilar Pascual.                       Año: 2002                  Editorial: Pearson.

Capítulo: El método Kodály.

El método Kodály es un método pedagógico musical introducido en el sistema educativo húngaro por Zoltán Kodály. A él se le debe la inclusión de la música popular en la escuela y el descubrimiento de la importancia del folklore. Este método se trata fundamentalmente de desarrollar el oído a través del canto, ya que según Kodály la voz humana es accesible para todos y al mismo tiempo es el instrumento más perfecto y bello, por lo que debe ser la base de una cultura musical de masas. Por lo tanto, la voz es el primer instrumento. La meta real es hacer que el niño cante perfectamente de oído y a la vista de una partitura. El material de estudio será la música y las canciones populares, ya que son el mejor medio para trabajar la melodía y el ritmo. Después de esta música, se debe ampliar la cultura musical a la cultura clásica. En general, el trabajo de Kodály se fundamenta en el canto coral a través del folklore húngaro y se basa en el sistema pentatónico, el oído y el solfeo relativo y la práctica de la fononimia. Los instrumentos en el método son menos importantes que la voz, aunque los emplea como acompañamiento de canciones.

Para Kodály, el valor de la educación musical está en el ejercicio musical activo y la participación en las actividades musicales, como contribución al desarrollo de las facultades del niño. Cree que la formación musical se ha de implementar en la educación general desde la primera infancia. La repercusión de este método ha sido muy importante porque ha creado una base socio-músico-cultural, enfocada al desarrollo de las propias facultades y al enriquecimiento de las posibilidades creativas personales, tanto para el beneficio propio como para el de su sociedad.

Kodály prestó especial atención al analfabetismo musical, que para él significaba no saber leer ni escribir, lo cual impedía al analfabeto una percepción de la calidad de la música. Por eso, su método se centro en facilitar la adquisición del lenguaje musical y la entonación a primera vista.

El canto y la canción popular: para Kodály la canción popular es la lengua materna del niño, por lo que la educación musical debe comenzar por ella. El método utiliza canciones folklóricas ya memorizadas por el alumno puesto que las conoce desde pequeño y enseña el solfeo reconociéndolo en ellas.

El solfeo silábico: Kodály llamó a esto el “Do movile”, en el que el maestro asigna varias posiciones al do sobre el pentagrama para indicar la primera nota de una melodía o de un ejercicio. Las sílabas métricas se utilizan para la interiorización de los patrones rítmicos de la canción, los dictados rítmicos y la lectura musical.

Solfeo relativo frente a solfeo absoluto: el solfeo absoluto es la capacidad de cantar cualquier melodía en su clave correspondiente sea cual fuese su sistema modal, tonal o atonal. En el solfeo relativo, todas las escalas mayores y menores tienen un mismo orden de todos los tonos y semitonos. De esta forma, el solfeo relativo es uno de los grandes pilares del método. Este supone aprender sin clave ni tonalidad previa, los intervalos y las distancias de las notas a través de nombres temporales. Este método aporta una original manera de leer en el pentagrama. Se basa en un cambio de posición de la nota “do” según cambia la tonalidad.

La fononimia: en el método Kodály las manos tienen múltiples empleos, pero sobre todo para introducir el conocimiento del pentagrama con los dedos de la mano y para representar los sonidos relativos con las posiciones de ésta. Este es un sistema de canto en el que se puede leer mediante signos manuales y no con una forma escrita. Así, se prescinde de la lectura desde el pentagrama para iniciar a los alumnos en la entonación consciente de las notas y la relación entre ellas, es decir, los intervalos, a través de los gestos y su práctica va en paralelo con la entonación de los sonidos relativos ya que permite el aprendizaje intuitivo de los intervalos y el nombre relativo de las notas desde el principio.

La pentafonía: basarse en el sistema pentatónico supone que sólo tiene en cuenta cinco notas de la escala, pero en ésta está basada la mayor parte del folklore húngaro, lo que según Kodály, facilita el aprendizaje porque acorta la cantidad de materia de estudio. Esta metodología usa la escala pentatónica denominada anhemiótica.

El lenguaje musical: los diversos elementos del método tienen como objeto facilitar la lectura y escritura musicales y de él se deduce que se acabará con el analfabetismo musical. En este método, no se les enseña a los alumnos un nuevo elemento básico del lenguaje musical sin antes haber sido aprendido de oído.

Para kodály, el mejor material es el que proviene de la música tradicional, música artística nacional y universal. El método, emplea todo material que proceda del folklore.

El método Kodály es una metodología muy difundida internacionalmente, pero no en todos los países ha podido organizar con tanto éxito la vida musical como en Hungría donde se da tanta importancia a la educación musical, ya que su aplicación requiere un esfuerzo de adaptación al folklore autóctono.

Breve comentario personal (Francisca Domínguez):

La lectura del texto me hizo reflexionar sobre el papel de la música en la educación chilena. Deberíamos, como país, concederle la misma importancia que le concede Kodály en Hungría, de manera de poder mejorar la cultura musical del país. Por esto, se debe redefinir el papel que ésta cumple en la educación básica y así mejorar su enseñanza en los distintos niveles de manera de acostumbrar a los alumnos a escuchar e interpretar “música de calidad” desde pequeños. Por lo tanto, la música debe ser una experiencia proporcionada por la escuela, por lo que es fundamental que los profesores, sobre todo de básica, reciban una adecuada preparación.

Breve comentario personal (M Luisa Tornero):

La lectura de este texto me permitió abordar y concebir  la enseñanza de la música desde una perspectiva completamente distinta. Esto se debe a que plantea la educación musical a través de principalmente la voz, ya que la presenta como el instrumento más accesible a cada uno de nosotros. De esta forma, muestra la educación musical como una experiencia no sólo para los privilegiados, sino que también para todos y cada uno de los estudiantes. De esta manera, como docentes, nuca debemos olvidar la importancia y las ventajas de esta característica humana. Además, al comenzar la enseñanza de la música por las canciones populares, se motiva enormemente a los alumnos y facilita su aprendizaje, por lo que cuando enseñemos música, debemos tener en cuenta este elemento fundamental

El método Orff

Autor: Pilar Pascual

Editorial: Pearson

Año: 2002

El método Orff da propuestas pedagógicas para estimular la evolución musical de los niños y desarrollar su sentido rítmico, la improvisación de sonidos y movimientos como una forma de expresión personal.

Este método busca que el niño sea activo y le da especial importancia a la difusión de instrumentos musicales en las escuelas, como material didáctico fundamental para los estudiantes.

El creador de éste método fue Carl Orff (alemán del siglo XX), quien fue director de orquesta y educador musical principalmente de niños y publicó cinco volúmenes para los niños y adolescentes de acuerdo a la edad de estos.

La base de la obra pedagógica orffiana se expresan en los términos “palabra, música y movimiento” y dichos términos se practican  a través del ritmo, la melodía, armonía y timbre dando el tiempo a la improvisación y creación musical. Sin embargo, esto no llevó a Orff a “imponer” un método pedagógico, sino más bien a dar propuestas y sugerencias como:  el descubrimiento de las posibilidades sonoras del propio cuerpo, la utilización de canciones pentatónicas, la calidad y color de los instrumentos llamados Orff, la consideración de la voz como el instrumento más importante, el protagonismo del alumno a quien se le invita a hacer música, la prioridad del ritmo, la variedad de elementos (recitados, movimientos, canción, instrumentos, etc.) y la importancia de la palabra para introducir ritmos. (p.206)

La práctica pedagógica de Orff considera, tal como se señaló anteriormente,  el cuerpo como un instrumento musical, dotado de características tímbricas diversas (llamados gestos sonoros). Orff trabaja con cuatro planos sonoros: chasquidos de dedos, palmas, palmas en rodillas y pisadas.

Considera el lenguaje y las palabras como medios para acceder al ritmo. Este método trabaja principalmente con recitados que tienen rimas y estrofas útiles para emplear vocabulario, entonación y distintas estructuras rítmicas. Otra propuesta del método para trabajar la relación de palabra y ritmo consiste en poner ritmo a un texto o al revés, poner texto a un ritmo dado.

La mayoría de las melodías se basan en canciones populares infantiles y melodías de danza europeas.

El proceso para presentar una melodía es el siguiente:

1. Recitados rítmicos y/o rítmico-verbales que se acompañan con instrumentos naturales

2. Crea una melodía para el recitado rítmico

3. Se añaden patrones melódicos con la voz y los instrumentos. (p.211)

De esta forma aprenden en forma conjunta el ritmo, la melodía y la armonía.

Las formas musicales que trabaja Orff son: el eco (repetición del fragmento inmediatamente anterior. Es un recurso para el aprendizaje imitativo. Pueden ser interpretados con la voz, los instrumentos corporales o los de percusión), el ostinato (fragmentos que se repiten “obstinadamente” y sirven como acompañamiento rítmico o melódico. Proporciona desarrollo del sentido rítmico y la introducción de la polirritmia. Los bordones (superposición de ostinatos melódicos) son el primer paso para inicar al alumno en la armonía) y el canon (composición polifónica que estimulan el sentido de la imitación).

Este método considera fundamental la improvisación musical ya que una de sus principales metas, es el desarrollo de la creatividad de los alumnos. Su desarrollo parte con la improvisación rítmica (combinación variada  de palmas, pisadas, palmas en las rodillas y chasquido de dedos, éstos planos sonoros favorecen la expresión rítmica libre), luego la improvisación melódica (Los sonidos son de la escala pentatónica de do (la-sol-mi-re-do), ya que se evitan los semitonos y favorece que las creaciones siempre suenen bien) y finalmente con la improvisación armónica (Los principales recursos son los instrumentos de percusión afinada - xilófonos, metalófonos, carrillones - y viola de gamba), a veces se incluye también la improvisación de movimientos. En todo momento están presentes la palabra y los instrumentos (corporales y musicales).

Este método le da principal importancia a los materiales ya que la utilización de los instrumentos intentan ser una prolongación del propio hablar del niño, su canto y movimiento. Además poseen agradables colores y timbres y están hechos de tela, metal, piel de animales, madera, etc. Se pueden distinguir los instrumentos de pequeña percusión (no afinada. como los de metal, de madera y de membrana), los instrumentos de láminas o de placas (afinadas), los instrumentos de viento (como la falluta de pico o dulce) y los instrumentos de cuerda (la guitarra, violonchelo, viola de gamba, siendo soportes armónicos para acompañar las melodías).

El método Orff tiene tanta vigencia en estos días  ya que aportan a la pedagogía musical los instrumentos Orff, los cuales despiertan el entusiasmo entre los niños de todas las edades. Además aporta canciones, rimas y refranes populares infantiles en las que se basa forman parte de la formación musical y del bagaje cultural de la persona.

Por lo anterior, este método funciona bastante bien en todos los niveles educativos.

Comentario personal:

María Luisa Tornero: 

Me gustó mucho este texto y el modo como presentaba la educación musical hacia los niños como una continua evolución. Considero fundamental el que la música no se asocie únicamente con la voz (como suele pasar muchas veces en los colegios principalmente más tradicionales), sino que incluya, además de instrumentos, movimientos del cuerpo y el lenguaje.

Francisca Domínguez: 

Comparto lo que dice mi compañera, y le agrego que me gustó la parte de improvisación, creo que eso hace a la música algo más libre y entretenido. Sin embargo, con respecto a los instrumentos, me pregunto si las escuelas de Chile tienen los recursos necesarios como para invertir en ellos, ya que si bien es fundamental difundirlos en la escuela, muchas veces se da más importancia a otras cosas, o efectivamente hay materiales o gastos más urgentes aún. ¿Cómo solucionar este problema? ¿Será una solución el que los niños inventen sus propios instrumentos con materiales de la naturaleza?

Didáctica de la Música

Autor: Pilar Pascual               Año:            2002                Editorial: Perason

Capítulo: Los Instrumentos

Un instrumento musical puede ser definido como cualquier medio de producir sonidos que sean considerados música por la persona que los produzca. El hombre ha creado los instrumentos desde tiempos remotos con la finalidad de expresar sonidos musicales. Hoy en día, las orquestas sinfónicas son el fruto de muchos años de evolución de la historia de la música; el desarrollo de la técnica de los intérpretes y el progreso de la composición musical han sido paralelos a los avances técnicos de la construcción de los instrumentos.

Los instrumentos de la orquesta se pueden clasificar según distintos criterios, pero tienden a encuadrarse dentro de tres categorías generales, basadas en la estructura, en el material de que están construidos y el método por el que se produce el sonido. Estas categorías son: cordófonos (por la vibración de una cuerda tensa por medio de la percusión, el pulso o la frotación con arco: ejemplo), aerófonos (por la vibración del aire en una columna: ejemplo) y de percusión (por la vibración de un cuerpo al golpearse sobre otro: ejemplo).

La música folclórica posee sus propios instrumentos y se pueden clasificar por su fuente como por el lugar de origen. A lo largo de toda la geografía mundial aparecen diversos tipos de instrumentos que se pueden considerar nacionales.

La práctica instrumental es uno de los más importantes contenidos de la educación musical junto con el canto y el movimiento. Se entiende por ella, la adquisición y desarrollo de las habilidades instrumentales individuales y en grupo. La interpretación de instrumentos supone tocar, ver y hacer, con lo cual se realiza un feedback de inmediato entre la audición y la motricidad, con un importante refuerzo visual. La verificación de la validez o no del resultado se produce en el mismo instante y sin mediaciones.

La mayoría de los instrumentos escolares son de procedencia Orff. Sus instrumentos proporcionan un espectro sonoro muy amplio, muchas posibilidades y son un medio excelente para la composición e improvisación, así como para el desarrollo de las capacidades motrices y musicales. Los instrumentos de percusión se pueden diferenciar en dos grandes grupos: de pequeña percusión (se pueden clasificar en sonido indeterminado o no afinado y en sonido determinado o afinado) y de láminas. La pedagogía moderna considera el cuerpo, junto con la voz, como el primer instrumento musical. Dentro de los instrumentos de percusión corporal podemos encontrar la voz, los chasquidos de los dedos o pitos, las palmadas, palmadas sobre rodillas y pisadas. Por otro lado, los instrumentos de tradición popular también tienen una aplicación escolar, aunque muchos de ellos presentan una dificultad técnica que excede al ámbito escolar (Cordófonos, aerófonos, membranófonos e ideófonos). Dentro de estos, podemos encontrar la flauta dulce, la cual fue recuperada y adaptada por Orff a la pedagogía escolar. Este instrumento posee diversas cualidades, dentro de las cuales podemos encontrar: es fácil y motiva a muchos alumnos, su carácter lúdico, es barata lo que permite que cada niño posea su propio instrumento y permite un abanico de posibilidades didácticas.

Los instrumentos de construcción propia tienen una aplicación escolar muy interesante y en algunos casos vienen de suplir la carencia de instrumentos musicales en el aula. El interés pedagógico de estos instrumentos es que el estudiante es el protagonista del proceso de fabricación, lo que le permite comprender mejor su mecanismo y la técnica para utilizarlos.

Finalmente, los alumnos deben conocer los tipos de instrumentos más usuales que se dan en el ámbito sinfónico, popular moderno o de jazz.

Breve comentario personal (Francisca Domínguez):

Los distintos tipos de instrumentos analizados en el capítulo demuestran la amplia gama de actividades didácticas que conlleva cada uno de ellos y que, por lo tanto, se pueden realizar. De esta forma, es labor de los profesores conseguir sacar el máximo provecho a cada uno de ellos y que así la práctica instrumental no sea una finalidad en sí misma, sino que forme parte de la educación musical general. De esta manera, la flauta dulce no debe ser el único instrumento que se utilice dentro de la sala de clases, empleando un método repetitivo y poco motivador, sino que se deben utilizar diversos instrumentos de manera que los estudiantes se motiven y encuentran aquellos que les son más agradables, generando en algunos casos que los alumnos se motiven a practicarlos de forma constante fuera de la escuela. Sin embargo, los profesores no pueden utilizar como excusa que no tienen los recursos necesarios para trabajar con distintos instrumentos, ya que los instrumentos de construcción propia son una excelente alternativa  pedagógica que posee múltiples ventajas.

Breve comentario personal (Mª Luisa Tornero):

Coincido con el autor en que la práctica instrumental es muy relevante, por lo que debe tener un lugar importante dentro de los contenidos de la educación musical. Además, es fundamental recalcar que esta no debe ser un fin en sí mismo, sino que debe formar parte de la educación musical general. Esta importante inclusión se debe a que la práctica instrumental posee diversas ventajas, por lo que es esencial que los profesores de música posean los conocimientos suficientes y necesarios para poder enseñarla de manera eficaz, y motive así a los alumnos a interesarse por los distintos tipos instrumentos y por la música en general.  De esta manera, como profesores, debemos generar actividades lúdicas que permitan a los alumnos adentrarse en el mundo de la práctica instrumental y se sientan atraídos por él, por el medio de actividades y el uso de instrumentos diversos. Además, debemos tratar de sacarles su máximo potencial, por lo que es importante conocer las diversas posibilidades didácticas que se pueden sacar de cada uno de los instrumentos. 

Título: “El niño sujeto de la educación musical. Desarrollo evolutivo en relación con la educación musical”  (capítulo 2 de “Didáctica de la música para primaria”)

Autor: Pilar Pacual

El campo del estudio de la psicología en relación a la música es muy amplio y se pueden analizar diversos temas. Intenta dar repuestas a interrogantes como: ¿Qué conexiones sensorio-motoras y cerebrales, se establecen en la audición e interpretación musical? ¿Se nace con talento musical? O ¿Se hace? ¿Cómo se adquieren las destrezas? En este texto se abordan las aportaciones de la psicología a la música que más importancia tienen para el docente.

La psicología aplicada a la música.

La psicología de la conducta musical investiga sobre los procesos mentales que se ponen en juego al escuchar o interpretar música, sin embargo,  la autora reconoce que este estudio ha sido bastante abandonado.

Se han hecho diversas investigaciones y reflexiones en donde la psicología se aplica a la música. Uno  de los primeros campos de análisis es la importancia del sentido rítmico. Éste se manifiesta espontáneamente a través de los medios de expresión más primarios y elocuentes que tiene el niño, ya que es una expresión natural de su ritmo vital y emocional. De hecho, la arritmia está totalmente conectada con el retraso o deficiencia psíquica o/y física. Esto quiere decir que es necesario ayudar a afinar la percepción y la expresión corporal de los niños, porque esto además los lleva  a generar una inducción motora, y a desarrollar la habilidad de discriminar formas rítmicas.

Por otra parte es de sido de preocupación de la psicología aplicada a la música los medios para evaluar y medir las capacidades musicales, es decir, el “C.I” de la música. El instrumento mayormente utilizado es la observación de conductas. El estudio de las “aptitudes musicales” entraña la dificultad de que la música es una aptitud compleja y no única y que implica comparaciones numéricas que no siempre son aplicables a la música.

Para todo esto, la educación musical cumple un rol fundamental, debido a que si la escuela no es capaz de proporcionarle al niño, los conocimientos, herramientas, el ambiente y la motivación para aprender música, el niño, lo más probable es que no desarrolle sus capacidades. La escuela además es fundamental para el desarrollo del “auto-concepto” ya que si el niño sabe y se convence de que tiene las facultades para desarrollarse musicalmente, entonces va a progresar significativamente.

Desarrollo de las capacidades musicales

Esta parte del texto intenta demostrar el desarrollo evolutivo que tienen los niños en relación a sus capacidades musicales, en las etapas escolares de Educación Infantil y Educación Primaria. Para esto se darán características generales de la etapa que cursa cada niño para comprender mejor el aprendizaje que van adquiriendo en cada una de ellas.

Ciclo I de educación infantil (0 a 3 años):

-Antes del nacimiento (en el seno materno) se comienza a desarrollar la audición (escucha la respiración, digestión, rumores internos etc).

-Antes del año (a los 8 meses) el bebé responde a la música y a cualquier otra estimulación acústica (más que una apreciación musical, es una reacción orgánica general, que se caracteriza por respuestas rítmicas con efectos posturales y motrices).

-A los 18 meses el bebé reacciona rítmicamente a la música como una actividad total de su cuerpo.

-a los 2 años cantar, percutir y moverse son actividades que predominantes. Su sentido rítmico y su respuesta motriz comienzan a tener un carácter diferencial y selectivo.

-a los dos años u medio ya son capaces de distinguir la música del ruido y se familiarizan con canciones y letrillas pegadizas.

Hay varios factores decisivos en la etapa de 0 a 3 años como la atmósfera musical circundante (porque los niños imitan) y el desarrollo rítmico ((que ayuda a la evolución psicomotriz y a la coordinación sensorio-motora).

Ciclo II de educación infantil (3 a 6 años):

Se analiza desde diferentes ámbitos:

-desarrollo intelectual, se caracteriza por un pensamiento mágico que se define por: la inteligencia prelógica o preoperativa (que se basa en la centración) y por la incapacidad de manipular representaciones mentales con rapidez y flexibilidad para poder entender las transformaciones (representación estática).

-desarrollo de la personalidad, en el que el niño expresa sus emociones en base a tres lenguajes: oral—materno, corporal y musical. Son más autónomos y comienzan a establecer vínculos más duraderos.

-desarrollo psicomotor, se produce una progresiva construcción de una imagen de su propio cuerpo.

-desarrollo psicosocial, prefieren jugar solos, predominan las actividades y no las reglas y hay dificultades para el trabajo en grupo y tienen carácter inestable.

En base a todo lo expuesto, las grandes finalidades de esta etapa deber ser: contribuir al desarrollo proporcionando experiencias, espacios, materiales. Ser guía del desarrollo, compensar carencias y nivelar, aprovechar al máximo las potencialidades de los alumnos, posibilitar el desarrollo psicomotor y asegurar el progresivo dominio de la representación del cuerpo y de las coordenadas espacio-temporales en las que la acción transcurre.

En cuanto a los aspectos psicoevolutivos en relación con la educación musical, se puede decir que a los tres años,

-En cuanto a la “expresión” los niños poseen mayor precisión y control de la motricidad, puede producir la entonación de ciertas canciones, camina, salta, guardando el compás de la música, mostrando cierta flexibilidad.

-En cuanto a la “percepción” el niño es capaz de captar bien un pequeño fragmento de música y lo intenta practicar, es capaz también de diferenciar las negras y las corcheas y reconoce y reproduce melodías simples. A los 4 años, en cuanto a la “expresión” mejora el movimiento de las diferentes partes del cuerpo y consigue mediante ellas expresar ideas y sentimientos. Es más afinado, juego juegos simples, puede inventar cancioncillas etc. En cuanto a “percepción” se puede decir que el niño no tiene conciencia de la simultaneidad sonora, pero diferencia lo más rápido de los más lento, entre lo agudo y lo grave etc. Un niño de 5 años, en cuanto a la “expresión” se puede decir que es capaz de sincronizar los movimientos de partes del cuerpo, puede reproducir con precisión tonos simpes.

Ciclo I de educación primaria (6 a 8 años):

En esta etapa el niño aumenta la pertenencia al grupo, y disminuye la dependencia del adulto. Aparece la conciencia e interiorización de las normas y aptitudes criticas personales, pero se mantiene cierto egocentrismo. Necesita del éxito como eje motivacional e imita conductas, es un periodo de operaciones concretas, puede comparar una parte con otra, y la parte con el todo, puede considerar dos dimensiones a la vez, pero aun no se mueven con soltura en la abstracción.

- En cuanto a la “expresión” se puede decir que la expresión vocal es más rica, aumenta el grado de amplitud de los tonos vocales, tiene tendencia a acelerar los ritmos, sincronizan de forma perfecta los movimientos de las manos y pies con la música y coordina sonidos simultáneos y tiene ganas de interpretar instrumentos escolares.

-En cuanto a la “percepción” el niño tiene una actitud receptiva por lo musical, acepta el lenguaje musical, tiene gran imaginación musical.

Ciclo II de educación primaria (8 a 10 años):

En esta etapa tienen un afán por sociabilizar y cooperar, poco a poco van consolidando su identidad, adquieren conciencia de sus posibilidades, y capacidades, y son capaces de verse desde el punto de vista de ellos mismos, y desde otros. Es necesario generar que alcancen su autoestima, por lo que hay que mostrar confianza en sus capacidades, practicar la metodología del éxito, e interesarlos por las aventuras y desafíos. Intelectualmente son más lógicos-realistas, aumenta la capacidad de abstracción. Hay un aumento considerable en las habilidades psicomotriz, esto permite iniciar la interpretación de instrumentos que exigen mayor coordinación y precisión. Hay un mayor desarrollo motriz, y una mayor comprensión de la noción espacio-tiempo.

- En cuanto a la “expresión” se puede decir que los niños adquieren gusto por instrumentos de percusión, poseen mayor sentido rítmico y habilidad para tocar instrumentos, la voz se encuentra en el mejor momento, prefiere canciones más realistas, disfruta haciendo pequeñas composiciones musicales.

- En relación a la “percepción” los niños ahora aprecian ritmos más complejos, reconoce compases binarios, ternarios y cuaternarios y tienen mayor curiosidad por grandes compositores.

Ciclo III de educación primaria (10 a 12 años):

En esta etapa el juego ha perdido interés en la vida de los niños, ahora influyen poderosamente los amigos y la música que escuchan por radio o por la televisión. Hay una pérdida del pensamiento egocéntrico, desarrollo de actitudes cooperativas, convivencia democrática, y en ocasiones baja de autoestima. A esta edad debieran haber consolidado todos los objetivos psicomotores, por lo que hay importantes mejoras en la flexibilidad, coordinación, equilibrio, agilidad, y desarrollo de habilidades motrices específicas (danza, deportes, interpretación de instrumentos). Tiene una visión objetiva del mundo, por lo que desarrollan la capacidad de construir abstracciones, y hay un desarrollo cada vez más analítico, con una búsqueda de información nueva, para reestructurar, lo nuevo, con lo que saben, y sacar sus propias conclusiones.

En cuanto a la “expresión” se puede decir que los niños son capaces de distinguir los valores de las partituras, comienzan a cantar canciones de los medios de comunicación, comienzan los primeros síntomas de cambios de voz etc.

En referencia a la “percepción” los niños desarrollan la memoria melódica y armónica, interpretan obras más largas, el medio ambiente tiene mucha influencia por sus gustos e intereses, y hay una búsqueda por diversos estilos, géneros, y ritmos.

Crítica personal:

Consideramos un texto muy rico en información acerca del desarrollo y evolución de los niños en los aspectos relacionados con la musicalidad de estos. Sentimos que aprendimos mucho sobre ellos, sin embargo, creemos que está muy estructurado y “pauteado” lo que pasa en cada etapa, y a pesar de que es cierto que los niños, por lo general, pasan por todos esos procesos, creemos que cada niño es único y algunos desarrollan ciertas cosas primero y otras después, así como otros niños desarrollan primero unas cosas y otras, diferentes, después. Y eso es fundamental una docente lo tenga en cuenta, debido a que hay que potenciar las habilidades que tiene cada niño en particular, así como se debe ayudar a cada niño según sus propias necesidades musicales.

Fase II taller número 2

Creación del juego con los naipes.

Título del juego: “El memorice musical” (para niños de 6 años en adelante)

Objetivo: Que los niños interactúen entre ellos y con las notas musicales (su símbolo y su duración), mediante una actividad lúdica que permite que se entretengan, interaccionen, memoricen,  aprendan y demuestren sus conocimientos.

Cantidad de personas que pueden participar: desde 2 a 5 personas (se puede más, pero es mejor que no sean tantos integrantes para que a cada niño le toque mayor participación).

Descripción del juego:

En primer se debe poner todos los naipes al azar, boca abajo (de modo que no sea vea la nota musical que contiene cada naipe), en una superficie plana (puede ser sobre el suelo, un escritorio o una mesa).

Luego deben jugar memorice, esto consiste en que un jugador debe escoger dos naipes. Si los dos que eligió son iguales, es decir, contienen la misma nota musical, se las queda consigo, pero únicamente si percute la nota musical que contiene el par de naipes escogido. Si lleva a cabo ese procedimiento correctamente, entonces se puede quedar con los naipes y le toca el turno a otro participante. Si las cartas que escogió son diferentes, las vuelve a voltear dejándolas en el mismo lugar que estaban, de modo que si los jugadores recordaron qué notas musicales estaban contenidas en esos naipes, al que le toque el turno siguiente, puede escoger un naipe al azar y si calza con alguna de las dos notas musicales que escogidas anteriormente, entonces “destapa” la que equivale a la suya y forma un par y repite el mismo procedimiento (de percutir la nota musical) para poder quedarse con ese par. En caso contrario (no percutió correctamente, o no recordó las cartas, o no le salió una nota musical igual a las anteriores), le toca el turno a otro jugador, manteniendo el orden de turnos que se haya establecido al principio del juego.

Una vez que se hallan acabo los naipes, el juego termina y el niño que tenga más cartas, es el ganador.

“Cómo y por qué enseñar música a los niños pequeños”

Título: “Cómo y por qué enseñar música a los niños pequeños” (La revolución creativa propuesta por Murray Schafer)

Autor:     Luis Guerrero

Año: 2009

Importancia de la música en la formación de los niños

Así como se ha estudiado que el juego no tiene ninguna utilidad, se ha pensado que con la música pasa algo parecido, por lo tanto se ha visto cada vez más excluido de la educación formal y específicamente en la educación de los niños, representa una mutilación, una negación o cuando menos una distorsión de su identidad. La habilidad de escuchar de los niños se está deteriorando de manera alarmante, algo que ya está reportando serias consecuencias en la calidad de vida de la gente, tanto en el plano biológico e individual, como social y cultural.

“La importancia de enseñar música a los niños, entonces, radica en la posibilidad de formar una generación que recupere una capacidad inherente a su naturaleza como es la de reconocer y disfrutar los diversos sonidos de su entorno, los que existen y los que ella pueden producir, distinguiéndolos del ruido. Pero además, que pueda ser capaz incluso de crear música con ellos y de intervenir hasta en el diseño del paisaje acústico de su propia comunidad.” (p.4)

Cómo enseñar música a los niños

En primer lugar, se debe considerar la enseñanza de la música como un “hacer música con los alumnos”. De esto surgen 3 tipos de cultura de enseñanza: la cultura POSTFIGURATIVA, (donde los niños aprenden primordialmente de sus mayores, lo que significaría que de los adultos depende el futuro de los jóvenes), la COFIGURATIVA (donde tanto los niños como los adultos aprenden de sus pares, por lo que el comportamiento de los jóvenes puede diferir del de sus abuelos y padres) y la PREFIGURATIVA (Ver texto) (es la que instaura un ruptura generacional que se vive actualmente, ya que implica que los adultos también aprenden de los niños).

En la lógica contemporánea predomina el encuentro de la CONFIGURATIVA y PREFIGURATIVA, lo que significa que los jóvenes dependen menos de los adultos y tienen mayor autonomía sobre su educación y socialización.

(Ver texto)

Para esto, los músicos deben primero facilitarle a sus alumnos el descubriendo de la música, para proceder después a la creación creativa de la música y terminar con la interacción entre la música y las otras artes.

“Murray Schafer (autor en el que se basa este texto) denomina PAISAJE SONORO (soundscape) al medio ambiente que está espacio ubicado entre el sonido y el ruido, constituyendo una especie de composición universal en la que todos somos partícipes. Su propuesta es aprender a escuchar el mundo como si fuera una composición” (p.6). En el paisaje sonoro se pueden distinguir tres clases de elementos que contribuyen a la identidad de cada lugar específico:

-Sonidos principales (es la nota principal que se manifiesta en un determinado paisaje sonoro, esta difiere dependiendo del lugar que vive la gente, ya que puede ser una nota manifestada por la naturaleza o por un paisaje urbano. Son sonidos inconscientes).

-Señales sonoras (son aquellos sonidos que pasan a primer plano y se escuchan de manera consciente, como la alarma de un auto, silbido de un pito etc)

-Las marcas sonoras (es un sonido único en un determinado ámbito geográfico y le da la identidad al lugar).

Un paisaje sonoro puede ser de alta fidelidad (hi-fi), es decir, ricos en información acústica, o de baja fidelidad (lo-fi), pobres en  información acústica. “Schafer afirma que las personas pueden y deben aprender a ser autoras del diseño acústico de su propio paisaje, empezando por cultivar sus costumbres auditivas.” (p.7)  Este mismo autor señala que podemos aprender los sonidos como objetos preciosos, pues la música justamente es una colección de sonidos bellos, fascinantes y armoniosos.

Descubriendo el potencial de los niños para crear su propia música.

Producir sonidos (ya que donde hay sonidos, hay música)

Encender la chispa (fomentarles continuamente a los niños la producción creativa, haciéndoles entender que para aprender se necesita de ensayo y error)

El papel de los maestros (el profesor debe enseñar idiosincrásicamente, es decir, dando el toque de su propia personalidad, no siguiendo al pie de la letra, los procedimientos universales. Y por otro lado, el profesor debe permitir de que los niños crean su música, quedándose éste, en un segundo plano. Schafer agrega que el maestro debe ser “un catalizador de cuanto pueda suceder en la clase, más que a dictaminar lo que debe suceder” p.12)

Schafer no propone que la enseñanza de la música sea un camino especializado, fragmentado y separado de toda experiencia humana, al contrario, propone que la música en un lugar de reunión de todas las artes. A su vez, la creación artística debe reunir los 5 sentidos.

En base a lo anterior Schafer plantea que “deberíamos abolir el estudio de todas las artes en los primeros años de la escuela. En su lugar deberíamos tener una materia integradora, tal vez llamada "estudio de los medios", o mejor, "estudios de sensibilidad y expresión", que podría incluir todas y a la vez ninguna de las artes tradicionales en particular” (p.13). Esto supondría un cambio profundo en la noción y en la gestión del tiempo al interior de la educación formal. Es por esto que se “requeriría un currículo que valide y emplee la pedagogía creativa de Schafer para la enseñanza de las ciencias y de todas las áreas del conocimiento. La posibilidad de que la educación juegue un papel activo y no regresivo en el desarrollo nacional, se juega en su capacidad para aprovechar el inmenso potencial creativo de las jóvenes generaciones y convertirlos en auténticos innovadores en las artes, las ciencias y las humanidades” (p.15)

Crítica personal:

Compartimos lo que dice el autor, y nos quedamos principalmente con tres aspectos del texto que nos gustaron mucho y nos hicieron reflexionar y ver las cosas de otra manera: primero, nos gustó aprender un poco sobre cómo debe ser la enseñanza de la música a niños pequeños (y nos sorprende que habiendo buenos estudios sobre esta materia, como lo es este mismo documento la educación formal se siga enseñando del mismo modo de cómo se ha hecho tradicionalmente). Por otra parte, nos gustó el concepto de “paisaje sonoro” ya que nos hizo ver otra perspectiva que teníamos del ruido, ya que éste no lo considerábamos música, luego de leer esto, lo tomamos como algo diferente y bello y a partir de esto, nos quedamos con un tercer aspecto que consideramos fundamental, que es el de hacer que los niños sean creadores de su propia música.

Título: “Fundamentos didácticos en las áreas curriculares”

Autor:            Julia Bernal y María Luisa Calvo        Año: 2000           Editorial: Síntesis

Capítulo: Didáctica de la expresión musical.

La palabra música, etimológicamente proviene del latín musa, y ésta a su vez de la palabra griega musike. Su significado es, entre otros muchos: canto, poema, estudio, ciencia, melodía, cada una de las deidades que según la fábula, protegía las ciencias y las artes liberales. La definición más difundida es “el arte de combinar sonidos”. En el sonido y en las combinaciones conscientes de sus parámetros es donde la música cobra su auténtica realidad. Sobre el origen de la música hay diversas teorías y diversas opiniones, lo que hace pensar que su origen es tan impreciso que admite toda clase de especulaciones.

En las civilizaciones más avanzadas de la antigüedad, la música aparece sobretodo muy vinculada con el culto religioso y con las manifestaciones rituales; sería más tarde cuando se convierte en expresión artística. En la Edad Media, la Iglesia es la única que posee las instalaciones educativas y los recursos intelectuales y hará posible la notación de las melodías y la codificación de los estilos. La Música y el canto sacro gozan de gran estima, sobre todo por su valor educativo y como instrumento de confortación religiosa. En el Renacimiento, la música estaba socialmente bien considerada y se componía para ser percibida por los sentidos y ser fuente  de expresión del sentimiento humano. En el Romanticismo, se piensa que la música no tiene por qué expresarse de igual manera que el lenguaje oral y se la considera como expresión de sentimientos abstractos. A fines del s. XIX y comienzos de XX, se produce un proceso de renovación pedagógica con el nacimiento de las “Escuelas nuevas”, que pretenden que la educación musical abarque al hombre en su totalidad, que sea activa, participativa y dirigida a toda la población.

La Didáctica de la Música es una disciplina que tiene la función de descubrir los diferentes métodos, técnicas, procedimientos y formas de enseñanza, así como sus fundamentos teóricos y las relaciones que la práctica y la teoría mantienen con las Ciencias de la Música, las Ciencias de la Educación y las demás ciencias Humanas. La Educación Musical, debe llevarse a cabo en un ambiente de juego, alegría y confianza que dé paso a la creatividad. De esta manera, surgen los métodos activos que favorecen la participación del niño para desarrollar la individualidad y creatividad.

En España, en la educación primaria, la educación musical se encuentra dentro del área de educación artística. Ésta, se encuentra dividida en dos partes: la primera la referente a la percepción activa y la escucha atenta, y la segunda, la dedicada a la expresión y elaboración musical. A través de la percepción musical se pretende el desarrollo de la sensibilización al mundo sonoro en general y en particular a patrones organizados de sonidos musicales. Mientras que a través de la expresión, producción y elaboración musical, la enseñanza y el aprendizaje se llevará a cabo mediante tres medios diferentes: la voz y el canto, los instrumentos, y el movimiento y la danza.

En la educación secundaria, se presenta la educación musical bajo una triple dimensión, al considerar la música como un lenguaje con poder de comunicación, como una dimensión estética y como un medio de comunicación entre los seres humanos. Las capacidades de percepción y expresión se perfeccionan mediante el cultivo de la voz, las habilidades instrumentales y la disposición para el movimiento y la danza.

Breve comentario personal:

Este texto nos permite darnos cuenta de la evolución que ha presentado la música a lo largo de la historia de la humanidad y de los enfoques a través de los cuales fue considerada y manifestada. Sin embargo, a pesar de las diferencias a lo largo del tiempo, la música siempre ha estado presente, ya que puede ser considerada como una forma de comunicación entre los hombres, que permite expresar la sensibilidad humana.

Por otro lado, el texto nos da pautas sobre cómo llevar a cabo la enseñanza de la Educación Musical, dando como ejemplo a España. A pesar de que la enseñanza de la música no es tarea fácil, es necesario llevarla a cabo ya que permite una formación integral de la persona humana, considerando el área cognitiva, afectiva y sicomotora. De esta forma, es necesario desarrollar en los estudiantes las capacidades necesarias para percibir y expresarse a través de la música de manera de lograr que los niños sean intérpretes, auditores, receptores, realizadores creativos y expresivos y conocedores de la técnica y del lenguaje musical. 

“En general, en este último siglo, lahistoria de la música ha transcurrido por periodos de crisis, transformacionesy renovaciones que, aún en la actualidad, no han concluido”. (Bernal &calvo, p. 214)

"¿Por qué los niños deben aprender música?"

Autor: María Victoria Casas        

Año de publicación: 2001         Año de extracción: 2012
Editorial: Extraído de revista en línea: “Colombia Médica”


En primer lugar es importante tener claro que el aprendizaje musical desde que los niños son pequeños, ha sido objeto de estudio desde las diferentes disciplinas como la pedagogía, la psicología y la música en sí misma.

Es fundamental ver los valiosos aportes que proporciona la educación musical: amplían la imaginación y promueven formas de pensamiento flexibles, reafirman la autoconfianza en el niño. Permite una comunicación universal en la que todos de alguna manera, entienden, aprecian y expresan emociones y sentimientos.  Además el aprendizaje musical “mejora el aprendizaje de lectura, lengua (incluidas lenguas extranjeras), matemáticas y rendimiento académico en general. En el mismo proyecto, los investigadores anotaron que la música aumenta la creatividad, mejora la estima propia del alumno, desarrolla habilidades sociales y mejora el desarrollo de habilidades motoras perceptivas, así como el desarrollo psicomotriz” (p.2).

Si se tiene en cuenta la teoría de las inteligencias múltiples, podemos ver la definición de ésta dada por Gardner como “la capacidad que tiene un individuo de resolver problemas, o de crear productos que sean valiosos en uno o más ambientes culturales” (p.2). Esto tiene estrecha relación con la música ya que ésta es una facultad de toda la especie humana y se asocia con la parte cultural del individuo (como por ejemplo: actividades colectivas, ceremonias, vida social, etc.).

Es fundamental tener en cuenta que la existencia de tres componentes o planos, fundamentales para la inteligencia musical que son: afectivo (referente a lo asociativo), sensorial (referente al fenómeno auditivo) y formal (referente a la interpretación y composición). Todas estas dimensiones se deben integrar en todas las dimensiones del ser humano que se estructuran en torno a cuatro aprendizajes fundamentales: Aprender a conocer,  aprender a hacer, aprender a vivir y aprender a ser.

Haciendo referencia ahora a la parte psicomotor del niño, la educación músico-instrumental desarrolla el sentido del ritmo, lo que incide, por lo tanto, en dicha formación física y motora del niño, proporcionándole un mejor sentido del equilibrio, lateralidad y motricidad.

Con respecto al postulado de Suzuki^, quien sostiene que un niño que “oye mucho y bien”,  se menciona que éste sabe escuchar y discriminar entre distintos sonidos y tonos, y por ende, capta mejor los mensajes en la escuela, aprende con más facilidad, lo que facilita la facultad para dominar su idioma antes que los niños no educados musicalmente.

-Los músicos normalmente realizan las siguientes actividades: ejecución instrumental (el producto de una buena exposición del niño a estímulos sonoros apropiados y a la práctica repetitiva de los sonidos a través del contacto instrumental) 

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-El trabajo instrumental (acercamiento más intelectual a través de la lectura.) no está de más saber que la mayoría de las capacidades musicales, incluyendo la capacidad central de la sensibilidad al tono, están localizadas en todos los individuos en el hemisferio no dominante (el derecho).

-La audición musical (se refiere a la escucha consciente)

-El desarrollo sensorial auditivo (desarrollar el sentido de la intensidad, de la altura y del timbre)

-La sensibilidad afectivo-auditiva. (comienza en el momento en que se pasa del acto pasivo de oír al de escuchar. La sensibilidad auditivo-afectiva es lo que permite entrar  a la persona en el campo melódico.)

La inteligencia auditiva. (síntesis abstracta de las experiencias sensoriales y afectivas)

INCIDENCIAS DE LA MÚSICA EN LA DIMENSIÓN PSICOMOTRIZ DEL NIÑO

Como se mencionó anteriormente la motricidad está muy relacionada con las habilidades musicales, ya que la motricidad hace énfasis en el dominio que adquiere el individuo de manera consciente de los desplazamientos de su cuerpo, de la coordinación motriz, del ajuste postural, del equilibrio, es decir de sus habilidades motoras. Y la música necesita de ello, especialmente en lo que se refiere al ritmo. Además existen muchas actividades en música que se realizan con movimientos y actividades que desarrollan la motricidad fina.

BENEFICIOS EN TÉRMINOS DE AUTOESTIMA

La práctica musical contribuye a la autoestima física, cuando el niño valora sus destrezas.

También, referente a la autoestima social, “el trabajo musical fortalece el sentido del trabajo cooperativo, el respeto de sí mismo y de los demás, la tolerancia con los errores de otros, la solidaridad y estar más abierto a la crítica.” (p.10)

Por último, con relación a la autoestima ética, “el trabajo musical puede ayudar a que el niño se defina como responsable, se sienta capaz de cumplir sus compromisos, asuma responsabilidades, respete sus valores y se perciba con más virtudes que defectos. Pero, hay que aclarar: al niño hay que estimularlo, no obligarlo”. (p.10)


SOBRE EL «MITO DEL TALENTO»


Es importante saber que la música y su práctica y desarrollo, no es un llamado para unos pocos, lo que se consideran talentosos, sino que se debe tener claro que todos los niños en condiciones normales, tienen la opción de iniciarse en el mundo de la música. La habilidad musical se desarrolla a partir de un conjunto de características básicas heredadas, pero éstas por lo general son comunes a toda la población. Sin embargo, hay que considerar que dichas habilidades requieren de un adecuado estímulo, orientación y trabajo permanente.


LO QUE FORMA A UN MÚSICO ES:


Experiencias musicales en la infancia, niveles altos de prácticas, nivel alto de apoyo familiar adecuado, profesores en los primeros años que dieron clases divertidas y oportunidad de experimentar profundas respuestas emocionales a la música. 

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Breve Comentario Personal

Este texto nos gustó mucho, ya que a pesar de que veíamos la música como un aprendizaje necesario, enriquecedor e interesante, nos pudimos dar cuenta de muchos otros factores en los que incidía el aprendizaje musical del cual no éramos conscientes antes de leer este texto. Nos permitió darle el verdadero peso a la educación musical de las personas desde que son pequeños. Un factor que consideramos que se podría haber fortalecido en este texto, fue el hecho de que daban muchas afirmaciones basadas en autores, que sin duda son una gran autoridad, pero no se especificaban los estudios que permitieron llegar a tales aseveraciones. Hubiese sido más interesante tal vez, tener datos certeros acerca de muchas informaciones, que sin duda, las damos por ciertas, pero que podrían haber apoyado la credibilidad y peso de la materia a tratar. Sin embargo, nos proporcionó muchos aprendizajes y creemos que este texto nos hará tomar  mayor conciencia, a la hora de enseñar, de lo importante que es la educación musical, ya que no solo los ayudaremos a desarrollarse física, intelectual y musicalmente, podemos hasta cambiarles la vida con la música.